人文藝術論文大全11篇

緒論：寫作既是個人情感的抒發，也是對學術真理的探索，歡迎閱讀由發表云整理的11篇人文藝術論文范文，希望它們能為您的寫作提供參考和啟發。

篇（1）

二在自然人文資源方面，山東自然人文資源主要包括山文化資源和水文化資源兩大子系統，在山文化資源方面有泰山的多元文化(含儒家文化、道家文化、民俗文化)、嶗山的道教文化以及蒙山文化、嶧山文化、千佛山文化、云門山文化。在水文化資源方面，主要是運河文化、黃河文化和海洋文化。《齊魯文化》課程對山東的這些文化資源和其歷史淵源進行系統地講解和闡釋，運用PPT課件輔之以生動形象的圖片和圖示，并根據課程進度插入影像資料多角度欣賞，如山東電視臺攝制的大型電視紀錄片《齊魯青未了》、大型電視專題片《齊魯民俗》等。而與齊魯文化相關的講座和展覽則進一步加深了學生們的認識和了解。在當前全球化的語境下，政治、經濟的全球化使有些學者提出了“文化全球化”，即全球文化趨同的隱憂和文化帝國主義的沖擊。由于傳播通訊技術和數字技術的發展，傳播學者麥克盧漢在上世紀60年代提出的“地球村”的預言成為現實，以美國為代表的西方世界把大量的文化產品輸入到世界各地特別是發展中國家，如美國的好萊塢大片熱銷全球、美劇《越獄》在中國幾乎是同步的網上下載和收視等，麥當勞和肯德基成為婦孺皆知的洋快餐。西方的生活方式和社會價值觀、西方文化對發展中國家，特別是青年一代滲透和影響日益巨大，所以傳統文化的繼承和發揚在這一時期更顯意義重大。“越是民族的，才越是世界的”，人們逐漸開始認同這一說法，也就是說有個性、有特色的東西才有持久的生命力。每個國家、每個民族只有保持自己的文化傳統和文化特性，這個世界才是多姿多彩的，誠如大哲學家羅素所言“參差多樣是幸福之源”。而對于本土文化或地域文化來說，是同樣的道理。作為中國傳統文化分支和主體的齊魯文化以其豐富、多彩與多元狀態給了它在這個競爭激烈的社會里差異性生存的理由。那么以文化為創作土壤的藝術工作者對于各種文化載體和表現形態、表現內容的熟悉與掌握是必需的，這也是作為未來藝術工作者的學生們需要盡早接觸與全面了解的。

二、學生的文化素養現狀

篇（2）

二、文人畫藝術與民間藝術的互滲性

民間藝術的基礎性和“母體性”都十分重要，在中國藝術的發展過程中，民間藝術和文人畫藝術的交流影響方向，主要是在明清時代，是其文人畫家和民間文化的融合，在色彩等運用上更加的突出只有，對于民間藝術中色彩的吸收十分明顯。直接將清末上海畫派各大畫家色彩濃厚的風格表達出來，甚至還汲取了西方的畫風，采用了鮮明的紅和率綠對比；做到了畫面感很強。其實所有的藝術之間都是相互聯系相互影響的，文人畫家在民間藝術中汲取優點，促使文人畫走向了一個全新的局面。其實民間藝術也收到了文人畫藝術的影響很深，我將其總結為如下幾個方面：

1.在明清時期中

能夠看到與之前構造具有差異性的青花瓷繪作品，其中都汲取了民間藝術，最具有代表的就是龍鳳花草圖案，其采用的題材是以山水、花鳥、人物，通過瓷繪的創作出來，將筆墨的效果和趣味表達得淋漓盡致，將文人的藝術氣息和民間藝術味道都包含了，是將兩種形式結合在一起的畫風。

2.我國古代的雕版印刷術的產生衍生了民間木板畫

特別是到了明清末代的時候，是這種藝術形式發展的巔峰，獲得了大量勞動人民的喜歡，所以當時的畫作坊遍布全國。里面有很多的作品還是出自于文人畫藝術的影響，有的還是文人畫家親自操作，將“雅化”帶到民間木板年畫中。例如天津楊柳青、蘇州桃花塢年畫風格與山東濰坊、河南朱仙鎮、河北武強的木板年畫，其畫風突出，采用了強烈的色彩對比，但是去細致。

3.在明清時代中

有許多的文人都是屬于沒落了，導致民間出現了大量的文人畫家，將民間藝術和文人畫藝術結合在了一起，獲得了好的溝通和交流的機會，將民間畫師的表現手法帶到了文人畫藝術中，所以導致文化畫家還是變了風格。例如仇英、華巖、黃慎、任伯年等都是這種轉化形態的代表人物。

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中圖分類號： G40 文獻標識碼： A 文章編號： 1009-8631（2011）05-0122-02

一、藝術有助于發展全面思維

人的思維分為邏輯思維(科學思維)和形象思維(藝術思維)兩大類，二者不可分割。如果只重視其中的一種，就是不健全、不全面的思維，它可制約一個人素質的全面提高。藝術的根本優勢在于發展人的形象思維，因為審美的過程具有形象思維的特點，審美過程需要想象和創造。想象和創造是審美思維過程最基本的品質。形象思維可以突破某些條件的約束，是對思維的解放。“應試教育”恰恰對兒童的想象力和創造力是一種束縛，而且是很大的束縛。如何能夠更好地發展大腦的健全的思維，要很好地研究。愛因斯坦說：“想象力比知識更重要，因為知識是有限的，而想象力概括著世界上的一切，推動著進步，并且是知識進化的源泉。”因此一個人必須把邏輯思維與形象思維、科學思維與藝術思維有機地結合起來，才能夠形成高質量、高素質的健全的思維。小時候有想象力，思維得到了健全的發展，以后才能夠有更好的創作。玩沙子、捏泥人、看螞蟻搬家，對孩子來講都是十分重要的，是一個人在成長過程中的必要的營養素。離開了這些，沒有童心，沒有童趣，缺乏想象力，就很難培養出健全的人格。蘇霍姆林斯基強調“教師要引導學生去感知和領會美”，感知和領會美是審美教育的基礎和關鍵，是審美素質的核心。自然美、藝術美、社會生活美是無處不在的，關鍵是要有好的教師誘導。

二、藝術有助于豐富感情世界

藝術是人類取得一切認識活動定向的基本手段，是人類情感活動和認識活動的重要手段。藝術所達到的其他種種目的，也都是建基于它的這個最基本的認識功。我們對科學的追求可以是有明顯的時代意義和人自身之外的，但藝術必需有人自身的情感的介入，是人類不可分割的部分。就古典音樂來看我們欣賞它，總是有一種特別的感覺，能體會到它很不一般的靈氣和靈感，喚起你內心深處的共鳴，這樣的感情令你魂牽夢繞，真該叫做心聲。它的表現力也是超乎尋常的，像一位魔術師，快樂、悲傷、安靜、瘋狂、憂郁、高雅……只要你能想到的，幾乎無所不能；她用一種更加優美的語言講述著一個個動人的故事，而且正因為這語言的奇特，讓你產生更多的情感和幻想；假如你的心是一把精致的七弦琴，她會是一位阿波羅般的好琴手，纖纖素手輕盈地撥動琴弦，產生的美妙和弦，你可以感覺到吧？古典音樂是一杯好茶，沁人心脾，需要靜靜地品味――初入口時是苦的，卻不難喝，漸漸地有些淡淡的甜味，若隱若現、難以捉摸，此時，聞著清香，偶爾看見茶葉上下漂動，心中不禁飄起一份神往，一段清靜。這，方是第一泡，往后，才有些韻味呢。古典音樂也是一杯濃濃的咖啡，香氣四溢。生活在這信息爆炸的快節奏世界的你啊，別永遠那么倉促，難道一點不為這香味所動嗎？停下來喝一杯吧，體會她的悠閑、她的高雅、她的完美，而她美侖美奐的一切皆需你的欣賞。請相信，你得到的絕不會比你失去的少。如今，復古是一種時尚，不管是不是附庸風雅，至少我們還可以聆聽古典音樂，這樣的美麗不該被浪費吧？她應當是經久不衰的，的確，無論在哪里、什么時間，經典的音樂沒有變。其實所愛的東西并不一定要得到的，或許古典音樂就是如此，能夠側耳傾聽，就足夠了。

母親眼里自己的孩子最漂亮，情侶眼里自己的情人最美麗，藝術家眼里自己的作品最優秀，就因為他們在那里體驗到了一種確證自己真實的感受。是自己的感受，不是別的什么，只能為自己的體驗所打動，是“我的”情感。美的感受本不應該如此，但是在這里卻被轉換為美感，是情感體驗的最重要的方面，因而，就成了“情人眼里出西施”。

羅丹說：“藝術家是人類情感的記錄者和發現者。”藝術不能夠離開感情，在藝術過程中，藝術家、欣賞者和藝術作品之間必須以感情作為橋梁，作為紐帶，才能產生教育的效果。藝術離不開感情，感情最能打動人，最能收到良好的效果。藝術教育的特點不僅僅是以技巧吸引人，更重要的是以情動人，以情感人。現在的兒童、少年，人與人之間的感情聯系少了，疏遠了，淡漠了。感情世界的貧乏，會給國民素質帶來很嚴重的損失。所以，培養學生健康的豐富的感情世界，是非常重要的教育內容。

三、藝術有助于完善心理結構

通過不同藝術能力的綜合，在各種藝術心理能力之間建立起豐富的聯系，形成完整而又互通、互補的藝術心理結構。人的整體素質的提高和藝術能力的培養，要依靠人類四大器官綜合運用所形成的心理結構。這四大器官分別是聽覺、視覺、形體、言語這四種可以被視為“從古到今全部世界史的工作成果”（馬克思：《經濟學-哲學手稿》（朱光潛譯本，載《美學》第2期）的人類器官。需要指出的是，四大器官中其中任何一種器官，都不能單獨構成完整意義上的藝術能力。例如聽覺器官，我們常說音樂是聽覺的藝術，但是，作為聽覺器官的耳朵，雖然只是接收聽覺信息的器官，但是器樂的演奏需要肢體某些部位精確的運動才能完成，聲樂的演唱，需要語言、發聲的控制才能完成。而指揮家還要靠體態語言來表達其對音樂的理解和意圖。音樂的活動并不只是接受信息，而且還要輸出信息。

各類藝術之間，不僅經常是相互啟發，并且，各種藝術能力的發展，也需要相互的溝通和支持。沒有這種藝術能力的互補，人類的藝術感覺就不會如此豐富，也不會創造出一些新的形式。例如美術與音樂上相互溝通的羅可可風格、印象派風格等。聲樂表演和欣賞中聽覺與視覺在藝術通感上存在著互補。人們經常利用聽覺與視覺構成的通感，進行藝術的創造、欣賞活動。即使是聽純音樂，如果沒有藝術通感（包括與聽的藝術感知相關的文學、繪畫藝術方面的各種修養和生活閱歷等），也不會有更高、更細微、更豐富的音樂感知能力。這些無論是對中國還是歐洲古典音樂的鑒賞中，都是重要的。因此，從人的綜合藝術能力來說，聽覺與視覺藝術，在藝術感知上是互補的。另外，聽覺與形體上的動覺、與言語的表達，也具有更為內在的聯系。形體藝術的音樂性、言語藝術的音樂性，在藝術鑒賞中是經常被人提到的。

中國古代樂論中講詩歌、音樂、舞蹈不同的藝術形式共構一體，其統一的存在方式稱為“樂”。樂的活動，也是多種藝術形式的綜合。其中詩言志，歌詠言，以及情感的表達，直到“不知手之舞之，足之蹈之”，就是講的不同藝術能力的綜合和溝通。從某種意義上說，綜合的藝術能力、以及在這基礎上建立起來的藝術通感，構成了人類最基本、也是最完整的感知能力。并且，通過不同藝術能力的相加和綜合而產生的藝術能力，所產生的，是超出原有藝術能力的新能力。實際上，各藝術門類其自身發展，正是在走向綜合的過程中，創造和產生出許多新的、綜合的藝術形式，甚至成為最受歡迎的藝術形式。如音樂劇，歌劇，舞劇，戲曲，行為美術以及電影、電視藝術等。

從人類藝術能力的發展來看，如果沒有這種綜合藝術感知能力在藝術的創造和審美背后作為一種支持，我們甚至可以說，僅從狹隘的角度去理解和認識聽覺、視覺、形體、言語藝術的能力，不但在藝術創造上會使藝術失去七彩的光澤，也不會在審美中形成豐富的審美意象。不同門類藝術所具有的獨特性、特殊性，相對于人類藝術實踐中最終形成的綜合藝術能力，其存在本質上只是“相對分離”的存在，并且受制于事物之間的依賴、統一和綜合，始終處于相互的聯系和轉化之中。僅從音樂藝術的特殊性講，恰恰是由于這門藝術作為“聽覺藝術”的特殊性，客觀上促使這門藝術在其發展中不斷尋求綜合藝術感知能力的支持，尋求與其他藝術門類的聯姻。這在音樂史的知識體系中、在人類音樂活動中，有很多的例子可以說明。如果看不到藝術的特殊性與綜合性的普遍聯系和相互轉化，僅僅將藝術的特殊性視為藝術的本質，這至多只有一半的真理性。

不同藝術綜合能力的運用，可以完善和形成人的完整的藝術心理結構，并在各種心理能力之間建立起豐富的聯系。在情感與智力、想象與創造的聯系中，人的藝術能力，在一定的條件下，會起到激活心理機能、提高人的創造性能力的作用。可以說，在人的包括藝術能力在內的多種心理能力的綜合中，蘊含著巨大的心理潛力，其作用可以使人的認知、情感、意志、想象以及創造能力得到高度發展。

四、藝術有助于拓展發展空間

托爾斯泰說：“如果烹飪的藝術不會被人漠視的話，更健全的美學理論當會產生出來。”所以，藝術的基礎也是確定地在于人類的生物需要方面。聲、色、香、形的認識是印證人類自身的發展，變成了一種情感性的反映。同時，人類在認識到物質的作用基礎上，在不斷地變幻物質，從精神方面，把物質的世界做了改變，有了神話，有了工藝美術，有了舞蹈和音樂。對自己的不滿足和對自然的不了解，藝術、政治、宗教同時產生了。可以說藝術使這個世界發展了，也是人自身不斷地拓展著發展的空間。

從藝術與人類生活的關系來看，藝術化的生活，是人類的生存方式之一。藝術在任何時候，無論是從歷時的還是共時的角度，都與人的生活發生各種各樣的聯系，藝術在不斷地延伸著生活的空間，發展著生活的內涵。因此，要建立藝術與生活、藝術與情感、藝術與文化、藝術與科學四種關聯的觀念。不僅為了掌握藝術能力，由此建立起一種合乎人性的生活方式。

藝術活動有精神的支持、有心靈的附著、有文化的內涵、有品格的提高。藝術能力與人文素養，不是生硬的結合，給藝術能力的表現套上人文的外衣，而是人文精神通過藝術活動，從中自然體現出來。藝術能力與人文素質整合以后，為人的發展提供了更廣闊的發展空間。

參考文獻：

篇（4）

“選定”是動態速寫特有的技術。選定是指畫者對活動的對象瞬間動作的特定選擇，也就是速寫者面對自由活動的對象人物，在對象一系列動作中選擇最有造型意義的瞬間動態。動態速寫動作的選定該符合兩個條件，一個是選定的動作要有“造型性”；另一個是動態要具有美感，兩個條件缺一不可。比方說，我們在選定一個人跑步動作時，要選定最能體現速度、力量和矯健意味的動態，也就是腿部跨度最大、手臂擺動幅度最大的動態，假如我們選擇了手腳重疊時的動態，畫出后的效果就會像是走路而不是跑步了。

對選定動態的感受和記憶也是非常重要的，這是個一次性過程，而不像素描那樣可以多次反復地進行。這種一次性記憶必須是感受性的，如果失去了感受性的記憶，我們所畫出的動作可能會流于公式化、概念化。只有憑借對特定動作感受的特殊性，再輔之以對人體解剖知識的了解我們才有可能畫出諸如瘋狂的跑或悠閑的跑等等避免雷同的作品。在實際操作中，我們僅靠瞬間的觀察來完成一幅特定動態速寫作品是不可想象的。我們必須依靠對這個特定動作的一般性經驗和相關知識記憶補充，才能完整地完成作品。

要在動態速寫訓練中做到上述要求，必須學會“抓住”和表現“動態線”。動態線是人體中表現動作特征的主線。動態線一般表現在人體動作中大的體積變化關系上。人物側面時，動態線往往體現在外輪廓的一側；當人物正面時，動態線會突出于脊椎和四肢的變化。抓住動態線對于畫好動態速寫是至關重要的。如何畫好動態線呢？我們應該注意以下幾個方面：

（1）動態線是由人體動作變化產生的，它是外形上最明顯、衣服與身體貼得較緊的部位。

（2）畫動態線時，要抓住大的部位，抓關鍵的動勢并注意動態的重心。

（3）動態線是非常簡練的線條，要根據動作的復雜程度決定動態線的多少，在每個動作中，主要的動態線僅有一條，其他的是動態輔助線。

（4）抓住人體的各個關鍵部位的結構關系，如頭與肩、手臂與軀干、骨盆與腿、大腿與小腿的關節和小腿與腳的結合處。

動態速寫的作畫步驟是：

（1）認真觀察動態對象，選定典型動態，集中精神，全力完整地感受動態特征。

（2）迅速畫出主動態線和動態輔助線。

（3）憑觀察或記憶畫出體積關系。

（4）迅速畫出表現動勢的衣紋。

（5）憑觀察和解剖知識填補細節。

（6）按照畫面結構要求調整形式節奏。

（7）刻畫頭部完成。

作為初學者，開始畫動態速寫是有一定困難的。初學者在剛開始畫動態速寫時可以選擇重復性強的動態對象進行練習，如拉鋸、鏟土等，待技術熟練積累起經驗以后，再進行諸如舞蹈、體育方面的動態練習。動態速寫是一項需要付出極大努力和培養專業精神的訓練課程，只有常年堅持不懈地刻苦訓練，才能練就一手動態速寫的硬工夫，為將來創作出優秀的藝術作品打下堅實的基礎。熟的動態速寫技術是畫家成熟的標志。人體的動態速寫要求畫者不但要具備較高的造型能力和整體意識，還要具有敏銳的感受能力和熟練運用解剖知識的經驗。但是我們不能因此而說，動態速寫的學習要放在基礎訓練完成以后，相反我們應該在基礎素描訓練的同時進行動態速寫練習。在歐洲，人物速寫被當作主要的造型訓練手段，現在國內有些地方從兒童階段就開始培養人物速寫的能力，也起到了很好的效果。

動態速寫與靜態速寫有很大不同，在隨時變化的對象中，你無法用反復觀察的方法捕捉對象，也無法用事先準備好的方法表現對象，動態速寫依靠的是對對象動作變化過程中動態的“選定”和對選定動作的感受和記憶。

“選定”是動態速寫特有的技術。選定是指畫者對活動的對象瞬間動作的特定選擇，也就是速寫者面對自由活動的對象人物，在對象一系列動作中選擇最有造型意義的瞬間動態。動態速寫動作的選定該符合兩個條件，一個是選定的動作要有“造型性”；另一個是動態要具有美感，兩個條件缺一不可。比方說，我們在選定一個人跑步動作時，要選定最能體現速度、力量和矯健意味的動態，也就是腿部跨度最大、手臂擺動幅度最大的動態，假如我們選擇了手腳重疊時的動態，畫出后的效果就會像是走路而不是跑步了。

對選定動態的感受和記憶也是非常重要的，這是個一次性過程，而不像素描那樣可以多次反復地進行。這種一次性記憶必須是感受性的，如果失去了感受性的記憶，我們所畫出的動作可能會流于公式化、概念化。只有憑借對特定動作感受的特殊性，再輔之以對人體解剖知識的了解我們才有可能畫出諸如瘋狂的跑或悠閑的跑等等避免雷同的作品。在實際操作中，我們僅靠瞬間的觀察來完成一幅特定動態速寫作品是不可想象的。我們必須依靠對這個特定動作的一般性經驗和相關知識記憶補充，才能完整地完成作品。

要在動態速寫訓練中做到上述要求，必須學會“抓住”和表現“動態線”。動態線是人體中表現動作特征的主線。動態線一般表現在人體動作中大的體積變化關系上。人物側面時，動態線往往體現在外輪廓的一側；當人物正面時，動態線會突出于脊椎和四肢的變化。抓住動態線對于畫好動態速寫是至關重要的。如何畫好動態線呢？我們應該注意以下幾個方面：

（1）動態線是由人體動作變化產生的，它是外形上最明顯、衣服與身體貼得較緊的部位。

（2）畫動態線時，要抓住大的部位，抓關鍵的動勢并注意動態的重心。

（3）動態線是非常簡練的線條，要根據動作的復雜程度決定動態線的多少，在每個動作中，主要的動態線僅有一條，其他的是動態輔助線。

（4）抓住人體的各個關鍵部位的結構關系，如頭與肩、手臂與軀干、骨盆與腿、大腿與小腿的關節和小腿與腳的結合處。

動態速寫的作畫步驟是：

（1）認真觀察動態對象，選定典型動態，集中精神，全力完整地感受動態特征。

（2）迅速畫出主動態線和動態輔助線。

（3）憑觀察或記憶畫出體積關系。

（4）迅速畫出表現動勢的衣紋。

（5）憑觀察和解剖知識填補細節。

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二、醫院個人專業技術檔案的收集

個人專業技術資料的收集是專業技術檔案工作的重要基礎環節。專業技術檔案的歸檔范圍貫穿于臨床醫療、教學科研等專業技術活動的全過程。如果沒有收集工作，檔案管理工作就失去了根基，其他環節的工作就無從做起。專業技術歸檔資料的收集方法：①經常性收集：在人事檔案管理工作中，收集專業技術歸檔資料是工作的起點，為了更加有效地管理檔案，人事部門應該建立完善的相關規章制度，通過各種渠道收集歸檔資料，同時，經常對個人專業技術檔案進行核查，對所缺資料及時與本人或相關部門聯系，予以補充。②隨時收集：為及時補充專業技術檔案，根據日常工作，隨時發現，隨時收集。③定時集中收集：根據醫院工作，人事部門每年集中時間收集年度考核、繼續教育、科研成果、獎懲情況等歸檔資料。收集工作的要求：①全面及時：對專業技術人員的歸檔資料進行全部、及時、完整地收集，并且及時將歸檔資料移交給檔案室。②把好歸檔資料接收關：檔案管理人員加強責任心，對接收的歸檔資料嚴格把關，無保存價值和利用意義的一律不歸檔；歸檔資料必須完整，不得缺頁漏項。

三、醫院個人專業技術檔案的保管和利用

個人專業技術檔案的保管：專業技術歸檔資料經收集、整理、分類、編號、裝訂后，建立索引目錄，方便查找，并及時歸入檔案庫房。保管過程中，要保持庫房清潔衛生，控制好庫房內溫度和濕度，做好“八防”(防火、防盜、防潮、防塵、防強光、防高溫、防蟲蛀、防鼠咬)措施。個人專業技術檔案的利用：在個人專業技術檔案的利用中，借閱是最主要、最基本的形式。借閱分為內部借閱和外部借閱，其中內部借閱又分為個人借閱和單位借閱，個人只限于借閱本人檔案；醫院人事部門、科研部門因工作所需，借閱個人專業技術檔案較多，但不得帶出檔案室，如需要相關資料，在不違背保密原則的前提下，可以復制。借閱部門及個人應嚴格遵守檔案借閱制度。

篇（6）

愛國主義是在歷史長期發展中培育和鞏固起來的對祖國的深摯感情及其理性升華，是中華民族的優良傳統。在歷史教學中培養學生的愛國主義精神，激發學生的愛國熱情，增強學生的民族意識和國家觀念，是歷史學科最突出的德育功能。司馬遷獄中忍辱負重，譜寫出歷史巨作《史記》；張騫不懼路途的遙遠與勞累，出使西域；李時珍嘗遍百草，終于完成《本草綱目》等鮮活的歷史事例，都是培養學生自信心，激發學生民族自豪感的最好教材；后，清政府簽下的一系列不平等條約、、等近代史實是一部西方侵華的罪惡史，也是中國人民不屈不撓的斗爭史。學習中國歷史，能使學生樹立正確的國家觀念與民族意識，為國家的繁榮、民族的進步作出貢獻。

2.歷史教學能培養學生健全的人格

培養初中生的合作意識，促進人格的健全。馬克思與恩格斯的合作，開創了無產階級的新天地，有效證明了合作可以將個人的力量放大，揚長避短。初中是性格塑造的關鍵時期，教師必須抓住這個關鍵期，利用歷史課堂，通過交流、討論、觀看影像資料等多種形式，正確引導學生，培養學生勇敢、誠實、堅強、謙虛等多種良好品質，促使學生人格的健全發展。

3.歷史教學能培養學生勇于創新的品質

創新是一個民族進步的靈魂，是一個國家興旺發達的不竭動力。對于民族的未來發展具有重要的作用。作為社會主義建設接班人的初中生，覺得發明創造是科學家的責任，離自己很遙遠，殊不知創新其實就在自己身邊。教師必須培養學生的自信心，善于挖掘他們的創新潛能，告訴他們歷史上很多人最初都是普通人，只是他們善于發現常人熟視無睹的事物，對此產生疑問，積極研究，反復推敲，堅持不懈，才取得了創新的成果。如偉大的發明家愛迪生、飛機制造者萊特兄弟、改良蒸汽機的瓦特，正是因為他們的不懈努力，才發明出改變生活的東西。在初中歷史教學中，教師可以列舉此類例子，以吸引學生的注意，鼓勵他們積極發現身邊的事物，培養學生的創新能力。

二、在歷史教學中滲透德育的策略

1.培養學生的憂患意識

教師要緊密聯系學生的生活實際，引導他們學會從生活中看歷史，以科學的態度講述歷史上的輝煌與恥辱，使憂患警鐘長鳴。如在教學明清史時，教師可以指出曾經先進的封建社會制度已經落后腐化，守舊不革新就會被時代所淘汰；又如在教學近代列強發動時，教師不僅要痛斥列強的罪惡，而且要與學生討論，認識失敗的結果和不平等條約的出現都是國力、制度的巨大差異導致的，理解強盛國力是一雪前恥、振興國家的根本所在；再如在教學共和國史時，教師可以有意識地引導學生討論及全面建設時期的成敗得失以及對今后的啟示，讓學生在學習歷史的過程中逐步養成重視社會隱患，善于發現問題和聯系現實的學習品質。

2.課堂教學必須與實際緊密相連

在我國近代史中，沙俄割占了我國150多萬平方公里的領土，這是由清政府的腐敗無能造成的。在教學這段歷史時，筆者建議學生比較今天的中華人民共和國疆域圖和前的疆域圖，看看蒙古和庫頁島、黑龍江以北地區、烏蘇里江以東地區、烏孜別里山口以西地區等在不在今天的疆域范圍內，從而讓學生更深刻地理解清政府的腐敗無能，愛國之情油然而生。

篇（7）

由于電影發源于戲劇與攝影，在19世紀末戲劇與攝影都不被認為是美學創作，所以電影也很難歸類于美學欣賞的范疇。隨著電影攝影機的小型化，人們有可能購買與占有電影攝影機，按自己的美學意愿拍攝與制作電影。地下電影無疑是非常個人化的。正如電影制作人與評論家喬納斯•梅卡斯說的，這些電影源自拍片人的內心，猶如他們脈搏與心跳，眼睛與手指的延伸。他說，“我們想提醒人們在世界上還有一個稱之為家的地方，在那里他可以獨處，可以與他愛的人呆在一起，可以獨自面對自己的靈魂——這就是家庭電影的含意，也就是我們拍攝電影的視角。”先鋒的家庭電影表述個人視野，家庭事件與社區交往的經驗。因此，在這一意義上，很難區分職業的與業余的，區分藝術家與個人趣味愛好者。電影成為真正的媒介，在這一媒介中，擁有攝影機的人們不僅生而平等，而且成為事實上的平等。沒有人可以說他的夢想好一些，更藝術一些，因為它們是內心的表述，是唯一的，與眾不同的，因此也就沒有可比性。

在電影評論家看來，這種電影拍攝的民主化理論往往不起作用。有的個人電影極佳，但也有十分無聊和煩人的，有的具有很高的藝術性，但也有粗制濫造的。雖然所有的人都可以到新美國電影運動放映室放映自己的電影，但個人電影的良莠還是有區別的，藝術家與業余愛好者還是有區別的。對于業余愛好者來說，電影是記錄個人經驗的手段。如研究地下電影的帕克•泰勒說的，它完成了電影攝影機最被忽視的功能，即侵入并記錄禁忌的領域，這些領域對于攝影來說太隱秘了，太震撼人了，太不道德了。70年代的商業性的性電影借鑒了個人電影的這方面的功能。

新美國電影運動藝術家給電影帶來了新的目標和期望。他們希冀做其他領域現代藝術家已經嘗試做的事情，不僅使人見到形象，還要創造使人看見形象的新的手法。他們要求在現代主義的傳統這一問題上，與詩歌、繪畫和小說處于平等的地位。電影制作人斯坦•布雷克海奇認為，在電影中有一種追求語言之外的知識的傾向，這種知識基于視覺傳播之上，它要求視覺心理的發育。在目前，有很少一部分人繼續這一視覺過程，將他們的靈感訴諸于電影經驗之中。他們創造了一種新的語言，這種語言由移動的形象構成。布雷克海奇和梅卡斯的觀點是相左的。梅卡斯反對現代主義，直接反對布雷克海奇所規范的電影藝術家。梅卡斯說，“我們需要光的藝術。”他要求電影具有讓人滿足的和自我發展的形象。雖然梅卡斯以拍攝痛苦的與快樂的電影來區分藝術家與業余愛好者，實際上這種區分并不正確。所有新的視角從某種意義上說是痛苦的，觀者必須經受從眼到腦，再從腦到眼的咀嚼和消化。正基于此，新美國電影的藝術對于有教養的、學識淵博的和有敏銳觀察力的觀者是一種何等樣的滿足。在個人電影領域中，從抽象的獨自一人完成的電影到商業性故事片，最明顯的最具有意義的區別就在于一個是藝術的，一個是非藝術的。只有藝術才具有力量，無論它描述的是什么主題，它表述的手法是什么，它能給觀眾一種情緒上的感動。

美國戰后的個人電影，本質上是先鋒派的藝術。他們的美學傳統相互影響，使他們制作的電影有許多共同點。他們都追求藝術的現代主義運動，他們沒有錢，卻在一項昂貴的媒介——電影中從事自己的事業，所以他們的電影風格是浪漫主義的，電影主題充滿了浪漫個人主義。

根據P•亞當•西特尼所著的《幻覺電影：美國先鋒派》（1974），許多重要的個人電影是用廢棄的膠片和租賃來的攝影機拍攝的，有些杰作由于資金匱乏只好截短。但是，和舊金山北海灘或紐約格林威治村的波希米亞詩人或小說家比較起來，他們卻似乎是富豪了。由于資金的缺乏，地下電影的制作者們不得不借助于權宜的技術手段，這反而幫助形成了電影的新的美學方向。新美國電影運動從夢幻電影演變到世俗性電影，從迷惘電影演變到神話創作。在60年代，在新美國電影運動中有一股激進的力量與神話創作決裂，便產生了結構主義電影。結構主義電影強調攝影工具優于電影制作人的眼睛，它結束了個人電影的抒情的和神話的形式。

美國早期地下電影的主題和同期的好萊塢主流電影有許多相似之處。新美國電影運動40年代的迷惘電影比同期的好萊塢的幽閉恐怖癥的戲劇探索了更深層的、更隱秘的無意識狀態。有些最重要的地下電影，如瑪雅•德倫的《下午之網》（1943），肯尼思•安杰的《煙花》（1947），格雷戈理•馬科波羅斯的《鄉下情郎》（1950）的制作多少與好萊塢有關系。德倫的丈夫是好萊塢的職業電影從業人員，安杰在好萊塢當過童星，馬科波羅斯在南加州大學電影課程中接受了約瑟夫•馮•斯騰伯格的教育。所謂的迷惘電影從本質上講是一種對性的探索，探索者不是一個夢想者就是一個瘋狂的處于幻覺中的人。迷惘電影通過夢幻涉及了禁忌的領域，如安杰在《煙花》中描述了同性戀，斯坦•布雷克海奇在《清晨之肉體》（1956）中描述了，德倫在《下午之網》中討論了對死亡的預感。迷惘電影是唯我主義的電影，表述內心心理。迷惘電影將觀眾帶進主人公的內心世界。它們否定電影的視覺性質。在50年代末，先鋒派電影制作人拋棄了迷惘電影。這可以在斯坦•布雷克海奇的作品中得到印證。布雷克海奇發展了一種新的風格，在這種風格的電影中，視覺動作不是發生在銀幕主人公身上，而是發生在電影制作人身上。他創造了一種視覺風格，觀者可以運用他的想像力。他認為，作為一個觀者，他在理解電影的含義方面和所有的觀者是一樣的。在放映他的舊日的電影時，他總是強調他不是藝術家，他只是觀者之一而已。他的這一立場避免了傳統的浪漫主義學派的關于視覺藝術家的權威主義立場，重申社會性是個性的一個不可或缺的組成部分，民主是先鋒電影的重要含義。但不是所有地下電影的制作者同意布雷克海奇的觀點。有的人則希冀在電影中表述神秘的通神論和神秘主義。對于安杰來說，電影制片人是占星家，他將觀眾帶進神的神秘的境地；對于哈里•史密斯來說，電影制作人是神的使者。他說，他的電影是上帝制作的，他僅僅是媒介而已。所有神話電影的主要思想源自西方的文學傳統，布雷克海奇和馬科波羅斯都認為自己是創造者而不是中介。安杰的輝煌的電影《愉悅教堂的落成》（1966）從神秘主義者阿萊斯脫•克勞利處獲得靈感，哈里•史密斯的《第12》（60年代初）則從猶太神秘主義得到啟示，布雷克海奇的《狗星人》（1965）和馬科波羅斯的《兩次成人》（1963）則取材于經典神話。這些源泉使神話電影的內容具有異乎尋常的深度和豐富性，不再象迷惘電影那么蒼白。

電影本身是現代大眾文化的新的神話源泉，好萊塢也為神話先鋒電影提供靈感。杰克•史密斯的《著火的人》（1963）是對約瑟夫•馮•斯騰伯格30年代電影視覺形象結構的一個評論與贊頌。安杰爾的《天蝎座升起》（1963）是一部公然表述好萊塢神話的電影；它創造了美國摩托車騎手的神話，這個神話不是從經典的或神秘傳統汲取源泉，而是從電影制作人的視覺感受汲取源泉。布魯斯•康納用好萊塢的舊片剪輯、制作了《一部電影》（1958）、《宇宙線》（1961）。他在電影中用一種復雜的、諷諭的手法將情景處于對比之中，以撩起觀者對熟悉的形象的回應，以取得比銀幕效果更大的或迥然相反的效果。

最早作個人或地下電影實驗的有四位導演：馬雅•德倫（《攝影研究》1945）、肯尼思•安杰（《煙花》1947）、柯蒂斯•哈林頓（《在邊緣》1949和《斷裂的尋覓》1946）、格雷戈里•馬科波羅斯（《精神病人》1948）。他們自己出錢攝制影片，影片十分個人化，十分大膽，抒發關于性的夢幻。每一部電影都反映了40年代的不安情緒，40年代的驚惶不安，性自由，政治觀點，個人夢幻和對周圍世界的批判。在50年代有喬納斯•梅卡斯，肯尼思•雅各布，羅恩•賴斯，斯坦•布雷克海奇，和瑪麗•門肯。60年代出現了布魯斯•貝利，卡爾•林德，本•凡•米特，和羅伯特•奈爾遜。他們運用電影來表述抽象的美，表述視覺的設計、形式、運動和時空。個人電影拒絕順應公眾趣味，拒絕審片的標準，它們無視現存的習俗，大膽表現瘋癲，和。因為導演自己出資，他們無須受電影制片廠控制，可以無視電視生產規則，也不用與脾氣大的明星打交道。他們不遵循任何現成的關于主題或攝影技巧的規則。和法國的新浪潮導演一樣，這些拍攝非敘事的意象主義電影的美國導演在報紙上刊登廣告，闡明他們拍片的初衷和想法，表明他們的電影個人的，十分與眾不同的，十分稀少的風格。有的導演干脆聲言，他們的電影不是為廣大觀眾而拍的，而只是為一小部分精英攝制的。

最具有代表意義的個人地下電影要算是肯尼思•安杰爾的《天蝎座升起》（1962-64）。電影的故事、攝影和聲道代表了60年代初的個人地下電影。這部電影是一部研究暴力的作品（31分鐘長），表現了摩托文化，波普歌曲，和同性戀。對于他來說，這些東西是社會的動力。他的作品表現了青春、死亡和黑色幽默。電影的長處就在于它的剪輯和沙聲的配樂。在影片中，青年人穿摩托衫，似乎把它們視作圣品一般。影片映出了閃閃發光的腰帶，腰扣，手蜀，頭盔，性器官象征物，和納粹旗幟。在那場全是男性的性聚會上，影片穿插了基督和他的信徒步入耶路撒冷的鏡頭。主人公“天蝎座”兼有希特勒、馬龍•白蘭度和詹姆斯•迪安的特點。電影用閃光拍了一張又一張摩托車手的臉，配之以喧鬧浮躁的音樂，預示這些摩托車手跨上摩托車正在走向滅亡。公眾對這部影片反應強烈，影片對以后的個人地下電影產生了巨大的影響。斯坦•布雷克海奇對地下電影類型也產生了巨大的影響。他拒絕超現實主義和為激動而激動的宗旨，賦予影片以一種個人性。他制作電影描述自己的人生，如《窗戶水孩在移動》，描寫他的孩子的降生。他最好的電影是《狗星人》（1965），78分鐘長，十分復雜，充滿了意象。

美國藝術家安迪•沃霍爾是地下電影導演中最為人知的。他的電影流傳也較為廣泛。他使用了一個女替身制作了《》（1965）和《我的》，在影片中，他表現了同性戀者，男裝癖者，街狂，吸毒者。在1966年，他完成了《切爾西的姑娘們》，是個人地下電影中最有名的。這部電影在全美放映，獲票房1百萬美元。影片3個半小時，其中獨白對宗教、社會和作了評論。有的電影評論家贊揚了影片，而有的則給予譴責。而大部分觀眾認為十分沉悶。美國重要的先鋒電影制作人安迪•沃霍爾在60年代中期創立了結構電影，完全擺脫好萊塢電影故事的束縛。沃霍爾的早期電影是對創造性想像問題的回應，是對觀眾反應的回應。這些問題是由地下迷惘電影過渡到神話電影而造成的。這些電影到底能表述多少電影制作人作為主角、藝術家和神話制造者的想像呢？到底能沖擊多少觀者的想像力呢？沃霍爾的回答是電影制片人應完全避免起藝術家的作用。在《睡眠》（1963）和《帝國大廈》（1964）中，他將攝影機固定在一個地方，拍攝一個睡眠的人和帝國大廈，讓膠卷轉動拍攝直到轉完為止。然后，裝上新的膠卷，再讓它轉動。《睡眠》放映6小時，目標一直是一個睡著的人，《帝國大廈》放映8小時，目標也一直是帝國大廈。沃霍爾在延續的時間內創造了觀眾回應的框架。同一形象的長度本身使觀者獲得新的視覺經驗。沃霍爾后來轉向敘述人際關系和性格，如《切爾西姑娘們》（1966），它仍然是拍攝固定形象，但已是二個并排的形象。其他電影制作人發展了沃霍爾的結構電影。如邁克爾•斯諾的《波長》（1967）。這是部45分鐘長的電影，用緩慢變焦鏡頭從一個固定位置拍攝的，緩慢移動的變焦鏡頭成為意識移動的一種比喻。在《中央地區》（1971），斯諾用360度的搖動鏡頭從一個固定位置拍攝一片荒蕪的土地。在這部影片中，他比迷惘電影更深入到自我的內心之中，深入到完全與世不相關的意識之中。

在當時先鋒電影流派中還有所謂的圖解電影。在圖解電影中，攝影機僅僅是一個紀錄性的工具。早期在歐洲，漢斯•里克特拍攝了《節奏21》（1921），瓦伊金•埃格林的《對角線的交響樂》（1921-1924）在電影中象動畫片似地展現他們的圖像，都是靜物形象。英國的萊恩•萊創作了《彩盒》（1937），他是第一位抽象電影制作人，在電影膠卷表面直接繪畫。于是，動畫和在電影膠卷上繪畫技術成為先鋒電影藝術家們，如哈利•史密的藝術的一部分。圖解電影在擴展式電影發展之后才得以發揮其意義深遠的作用。對于擴展式電影制作人來說，創造性藝術并不主要靠攝影機和膠片創造出來，而是靠計算機、錄像設備和激光創造的。擴展式電影超越單一形象的在一個橫向的反射型的屏幕上的放映，而達到新的布景和情景的電影效果，如大大加大的屏幕，垂直屏幕，360度屏幕，電影與戲劇在同一視野中的結合，等等。在有些展覽會和迪斯尼樂園中，人們甚至使用空間的三維形象的全息放映技術，以創造最大的幻覺。由于費用昂貴，不易獲得所需的技術，在70年代中期擴展式電影僅局限于一小部分人。大部分設備和技術知識由私人公司掌握。先導者，如約翰•惠特尼，斯坦•范德比克和斯科特•巴特利特，都是在公司的資助下完成他們的電影的。如約翰•惠特尼得IBM的幫助，范德比克獲貝爾電話公司的資助，巴特利特獲準使用加州一家電視臺的控制室。巴特利特的杰出的視頻電影可以被認為是美國先鋒電影制作人的富有代表意義的作品。但傳統的關于創造性的概念并不包括電影制作人可以用光筆在計算機顯示屏幕上工作，或者可以在錄像控制板上混成形象。約翰•惠特尼說，要在計算機上動情地創造性地工作是極其不易的。

到60年代，被認為是的個人地下電影獲得了越來越多的公開放映的機會。而美國公眾對此變化也是有心理準備的。由于新浪潮和新現實主義電影的侵入，美國觀眾已變得更為老練，對于不落俗套的手法和對的直率表述也已能平靜接受。于是個人地下電影從地下浮到了地上，成為仇人娛樂的一部分，后來又成為好萊塢商業片的一部分。原來正統好萊塢認為、穢語、性幻想和大膽的主題是令人生厭的，而到60年代它們則成為當代大眾電影的經常性內容。于是再也沒有必要存在地下電影了。先鋒的、實驗性的和地下電影被容納進了整個商業電影的體制之中。

根據吉恩•楊布拉德，他在《擴展的電影》（1970）中說，技術可以將藝術家解放出來專心致志于想像性創造。在新的概念性藝術中，藝術家的思想是重要的，而不是他操縱媒介的技術能力。在另一方面，由于電腦能夠在諸多的選擇中作出自主的決定，它最終將決定藝術作品的結果。

電影一直是大眾了解社會與人的行為的信息的主要源泉。它是傳播與交往的一個重要的媒介，它理應反映主流的思想和利益。美國電影正是這樣做的。然而，美國電影在其發展的過程中，對美國社會中強大的社會與文化價值提出了挑戰，對世界的認識與理解提出了自己的看法。在美國社會各階層中都有人對美國電影所傳達的信息不屑一顧，他們找出電影的毛病，如電影的程式，電影不真實的地方，電影規避的問題，等等。其實這些問題與美國社會中其他信息傳播的媒介，如課本、報紙、政治宣言、布道的缺陷是相關聯的。問題在于人們對于娛樂、故事、虛構的男女主人公的文化判斷。根據羅伯脫•斯克拉，許多美國電影平庸，腐敗或者虛假，主要是由于利潤動機造成的。談論改革商業性娛樂而不觸及社會思想是短視的。美國電影中有一部分作品，由于它們的質量值得保存與收藏，它們是美國思想、藝術和文化中的瑰寶。

個人電影的興起其意義是重要的。它表明了電影藝術家的能力，表明他們能夠發展一種新的視覺語言，并擴展觀眾的意識。由于電影設備為更多的人所擁有，吉恩•楊布拉德預言電影將成為未來的語言，成為未來形象交換的交往方式。他說，通過擴展的電影藝術和技術，我們將在地球上創造天堂。

在理想主義的60年代，電影不僅被視作一種娛樂，而且也被視為一種民主的藝術。先鋒派作品，家庭錄像片和好萊塢影片都得到同樣的重視。但先鋒派作品和家庭錄像片得到更大的珍惜，因為它們代表一種新的視野，人際的視覺交往的一個新的工具。70年代《大白鯊》和《星球大戰》的成功從反面顯示了60年代的空虛與蒼白。電影制作人開始拋棄60年代的理想主義，認為實驗性電影在60年代就結束了，主流電影汲取了它的某些風格上的優點而兀自向前發展了。年輕的一代電影制作人開始從事多種的風格的嘗試，有故事片，記錄片，并有錄像藝術。頗有成就的電影制作人不再按共同的美學標準和風格而依附于一個社團，他們強調在美國社會中正強烈孕育的多元文化的認同。他們可能是女性主義者，同性戀者，非洲裔美國人，印第安人，亞裔美國人，拉丁裔美國人，等等。多元文化的認同是重要的，而他們究竟從事故事片、記錄片或錄像片創作卻并不重要。身份認同本身成為一種風格類型片，它可以集實驗主義與現實主義、虛構與寫實于一體。身份認同類型片也打開了觀眾的視野。先鋒派類型片將觀眾和電影制片人看作是先鋒的一族，是由先鋒的美學觀將大家聚集在一起。個人電影也意味著個人的，而不是大眾的傳媒和交流。雖然身份認同類型片主要描述一個族裔，但它們仍然針對廣泛的觀眾。在70年代末，當好萊塢重整雄風之后，身份認同類型片促使獨立電影制作人組織在一起以加強他們在電影文化中的地位。此時，產生了“獨立故事片計劃”和羅伯脫•雷德福的森德斯學院，幫助獨立電影制作人。80年代在美國出現了專門放映獨立電影制作人的作品的影院。同時，電纜電視和錄像帶出租商店的出現和繁榮，對電影的需求猛增。好萊塢的年生產量已無法滿足它們的需要。于是，發行系統開始發行低廉制作的故事片，以應付市場的增長。在低成本制作的電影中，最佼佼者要算史蒂文•索德伯格的《性、諾言和錄像帶》（1989），租賃費賺了1千億美元。墨西哥裔美國電影制作人羅伯脫•羅德里格茲僅花費7千美元拍攝了《流浪樂隊》（1992），他自編、自導，自己拍攝，自己剪輯。

在90年代初期，獨立制作影片在美國方興未艾。獨立影片制作人制作仿效老的好萊塢的B級電影，加以改造成新的適合有教養的中產階級觀看的電影。少數種裔的電影制片人希冀重蹈前人的足跡獲得好萊塢的輝煌。先鋒的和個人的電影具有一種無視一切傳統和習俗的精神，以追求新的真實的視覺。它們拒絕一切程式的東西，一切傳統的美學含意。自70年代以來的先鋒和個人電影的成就說明，它們改變了實驗電影的精神和思想，為在電影中表現人生提供了更為廣闊的圖景和可能。在這個演變的過程中，最具代表性的為伊馮娜•雷娜。在60年代，她是一位先鋒派的舞蹈演員。她開始時，拍攝短片作為她演出舞蹈時的背景。1972年，她開始獨立拍故事片《演員生活》，這是她從事實驗藝術、社會抗議運動和女性主義運動的一個成果。她的女性主義是60年末的社會運動的一個延續，她試圖將藝術與政治融合在一起。當男性先鋒派人士正進入一個形式主義的解構電影創作時期時，她希冀在電影中表述情感經驗，她想直接面對美學的和激進的先鋒派人士的性別歧視。雷納的第二部故事片《關于一個女人的故事》（1974）成為后先鋒派獨立制作影片的開山之作。故事片的主題就是性關系和個人操縱政治的力量。雷納用音響與形象的并置來表述她的主題。當影片空白時，傳來幕外音，而形象出現時，又全然沒有音響了。同時，她還使用靜景。電影上顯現不完整的印刷文字和不完整的幕外音，彩色片與黑白片交叉。這些打破現實主義傳統的風格突現了一種關于性關系的悲觀觀點：既然聲響與形象都無法融合，遑論男人與女人的關系了。在影片中，她使故事人物聆聽貝利尼1831年創作的歌劇《夢游女》，夢游女逃避了死亡，而與情人重聚。在以后的創作中，她更趨向現實的視覺風格以表述十分難于表述的主題。《嫉忌女人的男人》（1985）探索當論，如福柯的理論與政治行動，如紐約的階級和種族問題之間的復雜關系。她的《特權》（1990）運用熟悉的記錄影片的形式在一部關于婦女年齡老化問題的電影中關注更年期。雷納認為，她制作電影的目的就是使她的形象服務于情感。她說，《夢游女》最好表述了她的目的：在極端絕望的情景下，仍然存在情感生活。在70年代后期，有一批女獨立電影制作人繼承了雷納的衣缽。她們的文化環境斷然拒絕60年代。她們的文化環境充滿了失望感，朋克和搖滾藝術盛行于世。人與人之間的關系政治化了，而政治本身卻變成了一份鬧劇。她們的風格既有虛構敘事的，也有自傳性的，散文式的。其代表人物為維維恩•迪克，貝絲•B和蘇•弗里德里克。在80年代獨立女電影制作人作品包括：利齊•博登的女性主義的政治片《在烈火中誕生》（1983），特林•T•敏花的自傳體電影《名字叫越南》（1989）。敏花1970年離開越南，在美國成為一位少數族裔的電影制作人和理論家。

70年代末的非洲裔電影制作人對于好萊塢拍攝挖掘黑人題材的影片的消亡更為關注。好萊塢挖掘黑人題材的影片專事拍攝城區的犯罪與暴力，而很少涉及黑人的日常生活。非洲裔電影制作人反其道而行之，追求社會現實主義。查爾斯•伯內特在1977年拍攝了《羊屠夫》。《羊屠夫》在風格上受意大利新現實主義的影響。黑白影片在開頭部分就攝取了在南洛杉磯街上嬉戲的黑人孩子的鏡頭，這使人想起德•西卡的《偷自行車的人》。在他早期的影片中，伯內特采取了一種道德的立場。他使用的特寫鏡頭往往令人覺得無奈和尷尬。他顯示他的人物們的背、腳，或者是從一種冷冰冰的中距離的視角來審視他的人物。他鏡頭下的人物似乎永遠得不到寧靜與閑適。伯內特將他鏡頭中的下層黑人勞動男女比喻為在屠宰場屠殺的羊。伯內特和其他洛杉磯的非洲裔電影制作人被稱為“洛杉磯叛逆者”。他們實際上叛逆的是好萊塢的主流電影。這群藝術家包括：埃塞俄比亞移民海爾•格里瑪（《樹叢媽媽》1976），拉里•克拉克（《過路》1977），比利•伍德伯里（《為他們小小的心靈祝福》1984）。他們完全在主流電影發行渠道之外運作，在博物館和大學播映他們的作品。80年代后期，伯內特獲得資助拍攝《屯憤怒共眠》（1990），得以在主流渠道發行。在這部影片中他將他的視線集中在黑人中產階級身上。有一天，哈利來到一家富裕的中年的黑人家庭。好客的黑人夫婦收留了他。不料，哈利是一個誘惑者，給這家人帶來無窮的麻煩。哈利的形象意在表現即使殷實的非洲裔中產階級的安全感也是十分脆弱的。但影片的票房價值不高。人們一方面懷疑主流發行渠道是否真正愿意全力發行一部非洲裔人拍攝的電影；另一方面，人們也懷疑黑人觀眾是否真正喜歡伯內特拍的有社會意義的電影。在“洛杉磯叛逆者”中有一位非洲裔婦女，她的名字叫朱莉•達什。她從紐約來到洛杉磯，就讀于美國電影學院。在美國電影學院，達什拍了一部34分鐘的黑白故事片《幻覺》（1983）。它描述一個黑人婦女，在兩次世界大戰期間在好萊塢工作。她對人充作白人。這是當時最佳的短片之一。達什通過攝影、幻光、布置和服飾將黑與白并置。她甚至還利用音響，在黑人歌唱家錄制聲音時，在銀幕上顯現白人演員在用咀唇吟唱。當黑人歌唱家穿著白色的外衣，頭上戴著一朵白花坐著時，對比度使人物的影像模糊不清，黑人的身影猶如幻像一般。達什的第一部作品《塵土的女兒》（1992）寫的是南卡羅萊納州和喬治亞州外海島上的黑人婦女在20世紀初的生活。她希冀由此重現仍然保持非洲傳統和文化的黑人社區的生活，在那里，黑人的方言、烹調和社會習俗仍然沒有受到現代文明的侵襲。這是非洲裔婦女制作的第一部由主流商業渠道發行的故事影片。同性戀者制作電影在70年代以及嗣后的歲月在多元文化主義的運動中起了十分重要的作用。但同性戀者獨立制作電影并不是一件新鮮的事兒。早在二次大戰之后，在實驗電影的運動中，先鋒派電影從肯尼思•安杰爾的《煙花》（1947）到安迪•沃霍爾的60年代的電影就在探索個人的與禁忌的主題中涉及了同性戀。雖然放映的范圍有限，但同性戀獨立電影制作人制作的電影可以達到它們目標的觀眾，不象非洲裔電影制作人制作的電影很難達到他們心目中的非洲族裔觀眾。80年代中期，人們對愛滋病的知識的廣泛了解，促使人們廣泛關注同性戀問題。這時，記錄片《哈維•米爾克的時代》（1984）便應運而生。它描述舊金山一位同性戀民選官員哈維•米爾克的生活和死亡。這部由羅伯脫•愛潑斯坦導演的記錄片獲奧斯卡記錄片獎。電影的成功之處就在于它通過專訪描繪了米爾克1977年被選為舊金山行政官員的情景。同他一起被選上的有一位華裔，一位黑人婦女，一位白種女性主義性。米爾克被認為是美國第一個公開承認同性戀的城市官員。米爾克主持通過了舊金山同性戀權利法案。該城行政官員丹•懷特因此憤而辭職。后來，他又改變了主意，希望得到重新任命，但受到了指責，于是對市長喬治•莫斯科恩和米爾克心懷不滿，在市政廳開槍殺死了他們。這部記錄片幫助開創了一個同性戀獨立制片的運動。其中最著名的為珍妮•利文斯頓導演的《巴黎在燃燒》（1990），探索紐約黑人與拉丁裔族的異性模仿欲者的文化；馬龍•里格斯導演的《自由之舌》，主要描寫他自己作為一個黑人同性戀者的經歷（他1994年死于愛滋病）；李安導演的《婚宴》（1993），描寫一個亞裔與白種男子之間的同性戀關系與中國家庭傳統的沖突。

繼故事片發展的第2時期、同聲的第3時期和1946-1964好萊塢發展的第4時期之后，好萊塢進入了復興時期。美國電影于此進入了一個新的時期。這一時期的發韌是以以下作品為標志的：《邦尼與克萊德》（1967）、《數秒之間》（1966）、《當鋪老板》（1965）、《奇愛博士》（1964）、《大衛與麗莎》（1963）、《勇敢的人是孤獨的》（1962）、《》（1961）、《精神病患者》（1960）。它們有著一些共同的特點。它們都是以非主流的異類的反英雄為主角，他們生活于其中的社會是腐朽的，無能的。影片都以直露式的描寫來處理的沖突和心理問題。它們描述的當代現實生活是吸引人而花哨的。影片往往將笑料與嚴肅結合在一起。同時，它們出色地運用了最新時代的電影特技，如慢鏡頭，快速切割，畫面與聲音的并置以產生諷諭性的效果。

在電影批評家看來，這一時期的電影的主題基本上是性與暴力。雖然電影在歷史上一直是在描寫性，一直是在描寫暴力的，但在如何利用性與暴力的問題上，這一時期的電影是與眾不同的。圖解式的性事鏡頭和好萊塢的新的暴力電影，對以往好萊塢的傳統的類型電影是采取懷疑態度的，認為它們的過于樂觀的結論將美國社會中存在的無法解決的分裂簡單化了。這是一種新的美國電影。新的美國電影的形式是有它的原因的。以往樂于看電影的觀眾都成為坐在家里看電視的觀眾了。所以，電影必須尋找新的觀眾，不是那些偶爾為之的觀眾，而是每星期都要進電影院的觀眾。這些觀眾仍然熱愛電影，認為電影對他們社會與休閑經驗是重要的，并樂于觀看電視不允許播映的只適合成年人的對話與處理。歐洲的新電影改變了美國電影制片人的觀念。戈達爾、特呂福和安東尼奧尼對電影新的處理方法征服了新一代的電影制作人和觀眾。特呂福和安東尼奧尼拍攝的電影贏得了大量的利潤。1959-1961對于美國未來的電影來說是重要的，因為人們看到經典性的電影《凝神屏息》、《四百下》、《槍殺那鋼琴演奏家》、《奇遇》、《甜蜜的生活》和《廣島，我的愛》。同時，雖然好萊塢主流電影一直在嘲笑地下電影，但地下電影卻最終在好萊塢贏得一席之地。地下電影不僅在商業上的成就超過了好萊塢，而且造就了一代年輕的電影觀眾，他們懂得并接受電影技術上的、視覺刺激上的和手法上的創新。這些熱心的年輕的觀眾正是好萊塢所希冀擁有的。于是，美國電影在精英層發現了它的電影觀眾。與其拍一部所有的人都喜歡的大眾電影，還不如為具有特殊趣味的特殊群體拍攝特殊電影。他們為一些特殊的觀眾拍攝了一些家庭影片，拍攝了為黑人觀眾所喜愛的警察—強盜片，為不同性方向的人（同性戀的，對男女兩性都有興趣的和異的）拍攝了電影，并滿足了他們的窺私欲。《瓊斯小姐心中的魔鬼》（1973）、《深喉》（1972）和《沙中的男孩們》（1971）是三部商業上最為成功的這類故事片。他們甚至還為年輕的半夜看電影的“怪人們”拍攝了特殊的電影，如菲力浦•德•布羅卡的《心中之王》（1966），亞山大羅•喬多羅斯基的《老鼠》（1969），約翰•沃特斯的《粉紅的火烈鳥》（1971），吉姆•沙曼的《落基山恐怖片》（1975）和大衛•林奇的《消磁磁頭》（1977）。美國電影制片人還將目標定格在諸如亞瑟•佩恩、邁克•尼科爾斯等拍的“藝術電影”上，喜歡藝術電影是一小部分人，也僅僅是電影觀眾中極小的一部分人。然而，正是這些藝術電影代表了電影藝術，代表了美國電影在其發展的第5個時期的成就。這些藝術電影所描述的性的與社會的價值反映了這一時期美國人一般崇尚的觀點。當時，藝術電影的熱心觀眾美國的大學生關于性事的觀點發生了巨大的變化，他們發現肉體快樂構成了他們快樂人生的一個很重要的方面，并在相互沖突的價值觀之間找到了契合點。亞瑟•佩恩的《邦尼與克萊德》也許是新電影價值的最早的代表。它是繼法國的《凝神屏息》和意大利《不設防的城市》之后在美國電影界最具影響的一部電影。其后，它的許多創新成為新電影的規范。在大部分情況下，新電影的主人公是社會的異類，流浪者或者罪犯，這些匪徒之幫卻是社會正義的可敬的捍衛者。舊電影里的壞人成了新電影中的好人。在《邦尼和克萊德》之中令人驚訝的是這些謀殺者都是一些具有魅力的、富有同情心的和詼諧的人物。而職業的追逐犯人的人們卻是一群毫無幽默感的、非人性的人們。即使在《畢業生》中，一群非職業的追逐罪犯的人也是毫無幽默感，毫無公正和愛心的人。同時，新電影的結局一般是悲劇性的：主人公死亡，而法律戰勝了放浪無羈。實際上，善并沒有戰勝惡，因為法與善往往是相對的。也有反文化的電影結尾是圓滿的，快樂的，如《提秤布魯斯》（1973）。問題并不在于反英雄們都在結局中死亡，因為死亡對于所有的人都是難免的，問題在于這些反英雄們自由自在地生活，放浪不羈，沒有任何虛偽之情。然而，盡管時代的價值觀發生了巨變，美國電影仍然不失其浪漫主義、理想主義的成份，就象這一時期的美國文化一樣。在電影中，仍然有過著美麗人生的好人，和過著罪惡生活的壞人，即使關于美和惡的概念發生了變化。

新電影并不要求人們認為它是真實的，正相反，它不時宣稱自己是人為的，是設造的。新電影的新導演們使用許多電影技術增強電影的情緒，同時也讓觀眾不時明白他們終究是在觀看電影，觀看虛假的真實。他們使用所有可能的技術，如慢鏡頭，靜止，跳躍式剪輯，將黑白片與彩片混合，等等。這些手法具有極大的感情力量。和電視相比，電影的優越之處就在于它的大屏幕具有更大的催眠作用，而它的立體聲效果更為真切和有力。電影在放映的過程中不可能有商業廣告打斷。按電影評論家的話說，電視是一個比電影更為冷峻的媒體，距離觀眾更遠，也就是說，電視與觀眾的距離感更大。電影的快速剪輯，在時空上快速變換，在內心與現實之間的快速交替更迭，破壞了一般的時空觀念，一般的現實與幻想的界限，一般的故事的線性進展。新電影同時也充分利用了音響新技術。按照以往的電影原則，電影往往運用背景音樂以增加鏡頭的情感力量。在新電影中，很少再有這種背景音樂。如果有音樂，新電影將使觀眾感到這音樂是來自電影中的無線電或錄音機，或者干脆是一種明顯與電影情景融合或反襯的音樂。例如，科波拉的《現代啟示錄》（1979）一開頭就使用多爾演唱的《末日》，它一方面與電影開端正好相反，同時又加強了現代啟示錄的形象效果。在哈斯克爾•韋克斯勒的《酷媒體》（1969）中年會上的愛國講演和歌曲伴隨格蘭特公園學生和警察的對峙和騷亂。奧爾特曼的《象我們一樣的賊》（1974）使用的聲道集中了30年代的無線電廣播聲，表明30年代的美國生活與無線電之間的關系是多么緊密。有的新電影故意扭曲聲響，有的則全然沉寂，和歌曲與噪聲成一個顯明的強烈的對照。搖滾樂和爵士樂作曲家為許多新電影譜曲，最享盛名的樂隊演奏這些作品。新電影使用了相當多的搖滾樂，如《逍遙騎手》，馬丁•斯科塞斯的《卑賤的街區》（1973），喬治•盧卡斯的《美國人格拉菲蒂》（1973）實際上集中了當時最流行的搖滾樂之大成。這是因為搖滾樂正是新電影年輕觀眾所喜愛的。斯科塞斯在《好伙計們》（1990）中繼續運用搖滾樂作為電影的音響，以表明他的人物的情感世界與社會的特征。

新電影對于風格十分關注，謹慎地選用服裝、道具，并注意運用當時的俚語與土語。它們善于用特定的鏡頭和音響將風格表現出來。新電影的電影導演們喜歡實地拍攝。傳統的好萊塢講究完美——完美無瑕的房間，不均勻的采光，背景的噪聲，但新電影卻崇尚不完美，不完美的視覺效果，不完美的人的境遇。新浪潮的用光風格影響了整整一代美國電影攝影師。新電影深受法國、意大利、捷克、英國電影的影響，同時也受到地下電影和先鋒電影的影響。和歐洲電影一樣，新美國電影不僅僅是描繪動作，而且描繪動作是如何被感受的。這樣，人物變得比情節更重要了，更處于中心的位置了。它們往往描寫大的社會與政治問題。然而，不管美國電影是如何被歐化，它們仍然忠于好萊塢的僵硬的類型程式，認為已經被實踐證明成功的類型與程式不能輕易放棄。因此，在《邦尼與克萊德》之后仍然產生了一大批描寫有同情心的賊的電影；在《狂野的一幫》之后產生了一大批描寫老邊疆的影片；在《法國販毒網》之后，產生了一大批描寫警察追逐匪徒的影片；在《教父》之后，產生了一大批描寫販毒王國的影片；在《星球大戰》之后產生了一大批科幻探險的影片。不管怎么樣，新電影是老的類型的后繼者，是西部片、匪幫片、警察片、怪人喜劇片類型的后繼者。在新電影中，大的分野便是城市片和鄉間片。在這兩種類型之外還有流浪電影（《逍遙騎手》）恐怖的野外電影（《活死人之夜》1968）和幻想世界電影（《巧克力工廠》1971）。城市電影描述美國快節奏的城市生活，描述冷酷的，虛假的，人工雕塑的城市形象：高聳入云的水泥森林和霓虹燈。它們的主題往往將城市的做作與殘酷，鄉野的自由自在與開闊無垠作一個對照，如《午夜牛仔》描述一個城市老鼠與鄉下老鼠的故事。這些電影顯然繼承了黑的傳統。黑描述的是無法無天，爾虞我詐，而新的好萊塢城市電影描述的則是一幅地獄的圖畫。汽車在風馳電掣般的追逐中成為了死亡的工具，如彼得•耶茨導演的《布利特》（1968）和威廉•弗里德金導演的《法國販毒網》（1971）。無論舊金山的噪音，如《對話》還是紐約的景色：煙霧，蒸汽，水泥森林，如馬丁•斯科塞斯的《出租車司機》（1976）都描述了城市是如何滋生顛狂和幻想的。和城市電影相關的還有郊區電影，它的形成與美國白人中產階級從城市中心逃逸到富裕的郊外同時產生，如《畢業生》，保羅•馬祖斯基的《鮑勃、卡羅爾、特德與愛麗斯》（1969），羅梅羅的《死亡的曙光》（1978），保羅•施拉德的《吃軟飯的美國人》（1980）。許多郊區電影運用電影中心洛杉磯的郊外作為電影的背景和比喻。和臃腫的舊的城市加以比較，這些新的郊外城鎮潔凈，空曠，明亮，但它們沒有根，沒有靈魂，既沒有地理上的也沒有精神文化上的中心可言。即使這些不直接描寫沒有人性的城市生活的郊外電影仍然利用曼哈頓的真實背景來表述槍擊的場面，如《一千個小丑》（1965）、《你是一個大孩子了》（1966）、《制片人》（1968）、《襲擊明斯基家的那夜》（1968）、《小謀殺者》（1971）、《下一站格林威冶村》（1976）和《曼哈頓》（1979）。新的試驗性的西部電影，也即與城市電影相對而言的鄉下電影，如薩姆•佩金帕的《狂野的一幫》（1969），喬治•羅伊•希爾的《布徹•卡西迪和跳太陽舞的孩子》（1969）和羅伯特•奧爾特曼的《麥凱布和米勒夫人》（1971），表明從原來外向類型已轉向內向和感官化。對于新的鄉下電影而言，美國廣袤的西部，草原和沙漠，河谷和森林，是美國人開拓精神和自由意志的最后疆土了。鄉下電影同樣需要城市作為反襯，需要城市中的警察、法官、銀行家和商人作為狂野的流浪的反襯。《狂野的一幫》和《布徹•卡西迪》都是產生于舊的西部正在衰落、新的西部正在興起的時期。新的西部遵循的是城市的價值。但這兩部電影的主人公都不愿放棄舊的西部的價值，他們寧可選擇與時代相悖的生活方式，而不愿選擇城市式的體面的生活方式。電影中的連續的慢鏡頭加強了死亡時刻的氛圍，并使這種死亡氛圍具有一種抒情的意味。新的西部電影與老的西部電影不同不僅在于它更加殘暴，而且將死亡的時刻賦以情感的力量。老的西部電影中的主人公依靠的是馬，騎著馬兒在空曠的荒野馳騁，但在新的描寫西部和鄉間犯罪的電影中，主人公駕駛汽車在草原上瘋狂作案，如《邦尼與克萊德》、《象我們一樣的賊》和特倫斯•馬立克的《壞土地》（1973）。在這些類型的電影中，人們看到過去與現在，城市與鄉間的對照。邦尼和克萊德的幸福的自由生活與大蕭條帶來的饑餓和貧困相對照，與破壞了人們生活秩序的政治制度相對照。在《象我們一樣的賊》中，鮑伊、梅斯菲爾德和奇克索的幸福的自由自在的生活與中產階級令人煩悶的客廳和餐桌生活相對照，與他們的無聊的廣播劇相對照，它顯示一個有保障的純物質主義的生活無疑是一種活死人的生活。

新好萊塢電影與老好萊塢電影之間的過渡在70年代表現在一批后現代的電影之中。它們可謂好萊塢類型電影中的類型電影，模仿30、40年代老好萊塢電影的情節結構、風格和演技。在這些電影中最為突出的便算《中國城》（1974）了。這部電影并不是由一個美國人導演的。羅曼•波倫斯基，波倫斯基的妻子，通過對納粹集中營到曼森的殘酷的謀殺的描寫，表述了她對世界和人生的看法，這種看法也許并不代表美國人的。電影的編劇是羅伯特•湯。這部電影雖然也討論30年代的價值，一般認為這種價值較為完美，代表了美國的目的和未來走向，但它反其道而行之，卻暴露與鞭撻這種價值的虛偽性。從表面上看，《中國城》是一部偵探片，背景是洛杉磯。影片通過對一系列令人困惑的謀殺和骯臟的的描寫直接批判了美國社會生活中的道德腐敗。攝影的技術很好，鏡頭給人以很美的感覺，波倫斯基正是通過這些表面的美反襯出深層的令人栗然的丑惡。美國夢原來是權力、與金錢交織在一起的一場噩夢。《中國城》表達了整整一個時代的躁動情緒。

新電影不僅在導演手段上創新，而且在運用30年代電影材料和小說的主題與形象上進行創新。30年代電影廠時代的電影主要是室內拍攝，以對話為主，而新電影則走向室外，以真實的背景為主。它們不再強調故事結構，而是強調動作、光線和音樂。最好的新電影每每有一個很好的統一的故事情節和洞察力，在主題的表述上，影片的立場更為隱晦，而攝影的技巧則更為高超和華美。

很多好萊塢復興時期的電影針砭美國生活中的社會的、道德的、性的與政治的問題，揭穿關于美國的文化神話，這種文化神話在生活中幾乎被認為是真理了。這種電影現象是與這一時期美國整個的政治發展趨向是一致的。在這一時期，連續數個與社會改革休戚相關的人物——肯尼迪總統、路德•金和馬爾科姆•X遭到了暗殺，美國參與了許多人反對的越南戰爭，在越南的戰場上越陷越深，最終又以水門事件而告終。這一切加深了人們對美國政體中最高決策的人們的懷疑和不滿。整個時代的情緒：憤懣和懷疑取代了30年代和戰時的樂觀主義。那些反對美國政體最激烈的青年人正是美國電影的日常的觀眾。美國電影在這種情況下順應他們的激進情緒就不足為怪了。

美國先鋒電影十分個人化，詩化，制作時不帶任何商業目的，在結構、視覺技術方面和理智態度方面取十分進取的、先鋒的、革命的態度。它們在50年末開始引起社會的廣泛關注。但實際上，美國詩化的先鋒電影并非是50年代或60年代特有的運動。先鋒電影制作傳統在20年代就已存在，并受到歐洲先鋒派的極大影響。對于先鋒電影有3種態度：1.有的批評家認為，它們是一群神經兮兮的人自戀式的視覺成品，與嚴肅的電影藝術發展無關；2.有人將個人獨立制作的先鋒電影作為一種技術與技巧的試驗地，以備日后主流電影運用。如，慢鏡頭，鏡頭重疊，速搖，搖滾樂，計算機圖象，斷裂畫面，等，都是在先鋒電影中首先運用而后正式進入主流的；3.有人認為先鋒電影是美國電影唯一當之無愧的藝術，因為它們沒有商業目的，完全由一個人按自己的美學觀點制作，并與現代藝術、現代音樂和現代詩歌同時產生。先鋒電影完全關注視覺，也就是說，電影藝術的手段關注如何幫助、擴展和充實一個人正視與觀察內心和外在世界的能力。這也是所有現代藝術家追求的目標。美國先鋒電影在瑪雅•德倫和瑪麗•門肯的影響下，由于8mm和16mm膠片的普及，在50年代中期形成一個運動，一大批主要的電影制作人得到承認。約瑟夫•康奈爾在1939年制作了他的第一部先鋒電影。在其后，肯尼思•安杰，詹姆斯•布勞頓，瑪雅•德倫，柯蒂斯•哈林頓，海•赫希，伊恩•雨果，威拉德•馬斯，格雷戈里•馬科波羅斯，瑪麗•門肯，西德尼•彼得森，詹姆斯•惠特尼和約翰•惠特尼在40年代開始制作先鋒電影并一直延續到50年代。約旦•貝爾森，斯坦恩•布雷克海奇，羅伯特•布里爾，雪莉•克拉克，布羅斯•康納，詹姆斯•杰維斯，肯•雅各布斯，拉里•約里，凱特•克雷恩，彼得•庫布外匯券我，克里斯朵夫•麥克萊恩，羅恩•賴斯，哈利•史密斯，杰克•史密斯和斯坦恩•范德比克在50年代制作了他們的處女作。在60年代，又出現了布羅斯•貝利，杰克•錢伯斯，布羅斯•埃爾德等。從50年代起，美國先鋒電影大致可分為以下幾種類型：正式的主流類型，社會批評類型，類型，反省類型。當然，它們之間的界限并不是絕對的，在許多情況下，它們往往重疊。例如一部完全按照視覺要求制作的電影有可能是社會批評性的或反省性的，如羅伯特•布里爾的《詹姆斯城》（1957）和《拳頭之戰》（1964），一部電影也可能批評主流的價值觀，如肯尼斯•安杰爾的《天蝎座升起》（1963），而反省類型的電影往往十分關注視覺技巧。

篇（8）

一、文人畫的代表畫家

文人畫的代表畫家有王維、蘇軾、李公麟、米芾。

唐·王維（701-761），字摩詰。善畫人物、山水，作品詩意赫然，被后人贊為“詩中有畫，畫中有詩”。他開創文人畫以佛理禪趣入畫的先鋒，把畫意和禪心結合起來，形成一種禪意畫，這種禪意畫后稱為墨戲，到明代又稱作畫禪。王維的潑墨山水可以說是開一代繪畫先鋒，并且從此以后扭轉了中國畫的繪畫風格，并最終推向中國繪畫的最高峰。為文人畫找到了最恰當的表達語言——水、墨，王維雖然沒有在理論上明確的提出文人畫，但是他以自己的作品明確的表達了文人畫的形式。

宋·蘇軾（1037-1107）第一個在理論上明確提出“士人畫”，也就是后來的“文人畫”概念。如果說王維文人畫的實踐上先行一步，那么蘇軾就是提出了文人畫的內在追求。他提出“寫形傳神，形理兩全，然后可以言曉畫”，“論畫以形似，見與兒童鄰”。他使繪畫從實用功能中脫離出來，強調畫家的主觀感受，將繪畫作為一種自我消遣的載體，即在筆情墨趣中融入自己的心境。在藝術創作上他主張“畫以適意”，是性之所發，筆之隨之，無法無派，不拘泥古法。在觀察描繪對象時、進行藝術構思時，強調畫家主觀情感與客觀對象合二為一，融合成為審美意象，再通過藝術手段將審美意象物態化，從而更好的表達情思，達到“適意”的目的。所以說不管以后文人畫如何衍變，其所追求的最高境界就是蘇軾提出的“意”。

宋·李公麟（1049-1106），字伯時，能詩善文，繪畫技巧全面而且嫻熟。李公麟對繪畫史的重要意義是，他在總結吸收前人的筆墨語言的基礎上，創造了不著彩色，以單線勾勒來表現對象的形體、質感、量感、動感和空間感，完全以筆墨線條塑造形象的畫法---“白描”。這種單純洗練、精密嚴謹、樸素優美的藝術形式，充分體現了文人士大夫的審美情致，成為后人的一代宗師。

米芾（1051-1108）北宋末年時期的著名書畫家和鑒賞家，米芾在繪畫上努力使書法和畫法想貫通，他的成就主要是在山水畫上，他在基于王維的水墨方式上，開創了一種用渾圓凝重的水墨橫點錯落排列，連點成線，以點為皴，干濕并用，再輔以渲染，貼切的表現出云雨微茫的江南山林景色。后來人們稱這種畫法為“米點皴”，米點畫法是從巨然的“礬頭皴”的印象派效果脫胎而得的。這種創新的畫法豐富了文人畫的語言形式。

二、文人畫的產生、衍變、成熟

中國文化在唐安史之亂之前一直呈上升趨勢，例如漢代的大氣，盛唐輝煌。但自安史之亂以后，中國封建社會就處于下降態勢，文人士大夫之間普遍存在一種失望，他們的心里狀態變得封閉、內向，個性也趨向細膩，多愁善感。中國文化由注重外觀的宏大轉到注重內在的精神世界，后期的社會出現一種陰柔美的氣氛，并且這種氣氛被推波助瀾，并最終在中國傳統思想中占有重要地位。在繪畫方面，這種思潮形成了中國的特色，使人只要提起中國畫就讓人想到文人畫，想到水墨畫。封建社會發展到宋朝時推行“重文抑武”的政策，文臣儒士出任要職。經過五代十國的社會動蕩，宋朝的政治穩定，物質生活富足，人們渴望一種平淡自然的生活，轉向追求內心精神世界的充實，表現在繪畫上就是這時蘇軾提出士人畫。

士人畫在元達到鼎盛，明清成熟。元代社會急劇變化，同時帶來了審美趣味的變異。元代是異族治國，民族等級制度很嚴格，漢族知識分子受到嚴厲打擊，他們被迫或自愿放棄官位，把精力和情感寄托在文學藝術上。因此，元代的畫壇上，繪畫題材多是對古今文人雅士及文學作品的描述，流露出一種隱逸的特征。元代的院體畫基本上處于銷聲匿跡的狀態，繪畫的主導權落到在野文人的手里。人的“主觀意興”被極力的張揚，對筆墨情趣的追求達到了癡迷的地步。他們將自身的情感完全投射于對象世界，再將對象世界轉化為筆線墨道，繼而又將筆線墨道轉化為自己獨特的情感符號。在元人的筆下，筆墨表現為一種凈化了的審美趣味。線條自身的流動轉折，墨色自身的濃淡、干濕，他們所傳達出來的情感、意興、氣勢及時空感，構成了重要的美學境界，其本身成為了一種被凈化了的“有意味的形式”，把文人畫推向高峰。

文人畫的成熟是在明末清初。明末清初的畫家石濤提出“一畫”說。一畫的意義為三個合一，畫道與天道合一，自然與心靈合一，本原與境界合一。“一畫”說表明文人畫與傳統文化合而為一；文人畫與中國傳統文化相互影響，文人畫以傳統文化為營養，同時文人畫又脫離了匠技的地位，而具有了“道”的大用；文人畫與詩文、音樂、建筑、園林實現了融合，也就是說文人畫已經達到了“化境”，這標志著文人畫走向成熟，同時表明文人畫的氣運與傳統文化相呼應，同盛衰。

三、文人畫的主要藝術特色——“平淡天真”

篇（9）

二、哥特式畫面風格

哥特的藝術表現方式是《科學怪狗》畫面造型的又一典型特征。哥特藝術是黑暗的藝術。16世紀時，人們開始將哥特作為一種藝術風格來看待。文藝復興時期的藝術家們，以哥特來稱謂12世紀至16世紀之間，盛行于歐洲的一種建筑風格。高聳的尖頂，厚重的石壁，狹窄的窗戶，染色的玻璃，幽暗的內部，陰森的地道甚至還有地下藏尸所，等等。在那些崇尚古希臘羅馬文明的文藝復興思想家眼里，這種建筑代表著落后、野蠻和黑暗，正好是那取代了古羅馬輝煌文明的所謂“黑暗時代”(TheDarkAges)的絕妙象征。但隨著時代的發展，哥特一詞，漸漸失去了它原有的貶義，而逐漸成為一種獨特的藝術形式。建筑、繪畫和文學領域都出現了它的身影。在《科學怪狗》中，波頓利用了環境因素，特別是建筑造型，烘托出了影片濃郁的哥特氣氛。影片中，具有濃郁古典風格的房屋，林立在街道兩旁。而房屋的構造，必不可少是尖尖的三角形屋頂，而有的尖頂上，還有風車等裝飾。除了規整的房屋，混亂的墓穴，也是哥特元素的重點。在維克多復活小狗的橋段，哥特元素更是成為影片的重頭戲。維克多先是將小狗的尸體裝上電極，然后縫好，并蓋上了毯子。這一切做好后，他將電極接上，然后通過升降裝置，將小狗傳送到屋頂的天窗外。此時窗外電閃雷鳴，整個房子籠罩在黑暗的夜幕下。突然，從天而降的閃電擊中了小狗，一切恐怖的事情仿佛就要發生了。但影片沒有馬上就給觀眾驚喜，而是讓維克多用聽診器給小狗做觀察，他沒有聽到心跳聲。失望的維克多摟著小狗哭了，而奇跡發生了，小狗的尾巴動了起來。小狗死而復生了，令人驚悚的情節也終于呈現。同時，光影效果也是影片制造恐怖氣氛的利器。此外，哥特藝術極為重視感性的體驗，對神秘、詭異和充滿不確定性的未知世界有著強烈的興趣。科幻影片以現實世界和科學理論為基礎，但其進入的仍是人類還未曾解開的未知領域。那里充滿了神秘、恐懼和無限的可能性。《科學怪狗》同樣如此。導演通過影片展現了人對現代科技既迷戀，又恐懼的復雜心理。維克多因為在課堂上觀察到電擊死青蛙，而青蛙產生反應的實驗，才決定復活他的小狗。這種對科技無限可能性的渴望，使維克多鋌而走險。但他復活小狗只是出于對狗的愛，而其他人，卻不僅看到了復活小狗，而且看到了將其他東西復活的機會。這正是人性惡被科學釋放的過程。當生死可以操控時，人對科技體現出的不僅是迷戀，而是伴隨著對科技無限性的恐慌。

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作為新聞評論節目主持人，更多的職責是將新聞的信息傳播好、把參與各方銜接好、盡力得到較為科學、公正的結論。因此，新聞評論節目主持人，在參與評論的時候，在語言上一定要留出空間和彈性，一定要謹慎。切忌不能想當然地認為哪個是對的，哪個是錯的，隨意地給出結論。

（2）不要說不負責任的話

新聞評論節目很多的時候是代表政府說話，代表政府傳達信息，所以信息的指導性非常強，影響非常的深遠。因此，對每一句話都要真正地負起責任，說每一句話都要真正清楚、明確。特別是很多的事件，涉及多方的責任，甚至會涉及政府部門，在這樣的情況下，弄不清楚的話，不負責任的話更不能說。

（3）不要說壓迫性的話

新聞評論節目涉及方方面面，所有的參與者都處在一個平等的層面上，沒有誰高誰低，也沒有誰質問誰，所有參與者的目的只有一個，就是使新聞能夠更加完善，使結論能夠更加科學。因此，作為主持人，盡量避免用壓迫性的語言，去質問和要求參與者。

（4）不要說虛話

新聞類節目本身特點就是真實，真實的事件就是需要真實的表達，稍加修飾和做作，就會使之失去原本的意義和特點，大大降低事件本身的可信度和影響力。因此，新聞評論節目主持人要切忌說虛話，哪怕一點的不實，都會使整個節目出現本質上的改變，原本真實的信息也會被受眾懷疑。

（5）不要說廢話

新聞評論節目，信息量的集中儲備在新聞描述、在新聞當事人、在評論嘉賓，而不是在主持人。主持人的話太多，自然會占用節目的時間，影響到節目的信息量。因此，新聞評論節目主持人要切忌說廢話，要使每句話說到點子上、問到點子上、評到點子上。

二、如何提升新聞評論節目主持人的語言藝術修養

（1）提高政治思想水平，使語言更主流

新聞評論節目主持人每天都在剖析、宣傳黨的路線、方針、政策，傳達國內外發生的各種消息。這就要求新聞評論節目主持人具有較高的政治水平和思想素質，較強的政策觀念和新聞敏感。因此，新聞評論節目主持人要注重對中央和各級發展精神的學習，把握方向，引導正確的輿論導向。

（2）擴大社會知識面，使語言更豐富

新聞評論節目主持人每天評論的事項，古今中文、天文地理、人文自然，無不包括，所接觸的評論嘉賓很多都是各個專業的專家和高層人士。因此，要真正使自己的語言能夠駕馭好節目的開展，知識面的豐富是基礎。要學習、學習、再學習，刻苦地學，不斷地學，自己的學歷層次、文化水平和知識積累。

（3）提升專業能力，使語言更規范

專業的語言表達能力，是提升新聞評論節目主持人語言藝術修養最基本的要求。要獲得良好的聲音，必須進行長期的、艱苦的聲音訓練。此外，還要加強口頭報道、現場采訪等語言能力的訓練，加強自身邏輯思維能力的培養，積極開展語速的訓練，能夠在最短的時間內，將最多的信息傳遞給受眾，能夠在更為緊迫的情況下，準確規范地表達自己的思想。

（4）做足準備功課，使語言更恰當

新聞評論節目主持人在錄制節目前，一定要對所播報的問題，詳細地搜集有關情況。一定要與編導組一道研究、分析，充分掌握整個節目的初衷、要達到的目的、整體的程序、參加的嘉賓、引導的方向和最終的結論。同時，主持人還要深入細致地了解嘉賓，了解詢問的問題，甚至要充分預想或事先詢問嘉賓的回答內容。

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進行數字圖書館建設是21世紀圖書館迎接網絡時代的重要戰略，這項工作關系著圖書館的生存與發展。雖然21世紀傳統圖書館和自動化圖書館暫不會消失，但隨著電子出版物的盛行，數字圖書館將居首位。未來的圖書館將以服務特色和技術手段論高低，能否迅速占有信息資源并向社會提供信息產品將成為衡量圖書館的標準。21世紀信息產業將為GPN提供新的經濟增長點。數字圖書館作為圖書館的主要方向，它的研究與建設水平將直接關系到我國圖書館在未來信息時代的地位和作用。由此我們應充分利用這一有利時機，認真研究在新世紀數字圖書建設這一重要課題。

1.數字圖書館的概念

數字圖書館（DigitalLibraryDL），是進入90年代以后產生的一個全新的概念。隨著計算機技術的迅猛發展，特別是網絡技術﹑數碼存儲與傳輸技術等的全面普及，使得人們對文獻信息的加工﹑存儲﹑查詢﹑利用等方面有了新的要求。因此，數字圖書館也就應運而生。它是一個新生事物，目前，在圖書館界甚至整個學術界還沒有一個被廣為接受有定義。從眾多的定義表述中其中認為數字圖書館是：以組織數字化信息及其技術進入圖書館并提供有效服務。幾乎圖書館的所有載體的信息均能以數字化的形式獲得，包括所有聯機采購﹑編目﹑公共查詢；對各種信息資源的檢索，通過網絡組織讀者訪問外界數字圖書館和文獻信息數據庫系統，如電子雜志﹑電子圖書﹑聲像資料﹑動畫片﹑影視片﹑多媒體資料等：用計算機系統管理圖書﹑期刊等的讀者服務；圖書館利用網絡連接到全球各個角落，讓人們很方便地共享資源。這一概念尚較為大多數人接受。

2.建立數字圖書館的意義

傳統圖書館擔負著信息采集、存儲、傳播及版權控制的重任，DL也同樣要完成這些任務，只是各項任務的內容、采取的手段及服務方式發生變化。建立數字圖書館的主要意義：

2.1由于數字圖書館是虛擬與現實相結合，大量的數字化信息存貯在無數個磁盤存儲器中，通過計算機網絡聯接形成的一個聯機系統。因此，與傳統圖書館相比，它占用的物理空間相對很小。

2.2數字圖書館收藏數字形式的信息，除了紙介質的書刊資料外，還收錄其它一切可以數字化的信息，如視頻、音頻資料、計算機程序等等，可以滿足讀者的多種需求。

2.3數字圖書館建設對于我們最重要的一點是建立以中文信息為主的各種信息資源，這將迅速扭轉互聯網上中文信息缺乏的狀況，形成中華文化在互聯網上的整體優勢。數字圖書館還是保存和延續發展民族文獻遺產的最佳手段，所有的珍貴資料都可以經數字化處理后，將原件保存在更適宜的環境中，而數字化的資料由于實現原件的復制，并不影響一般意義上的查閱。

2.4利用數字化圖書館的用戶可以不同圖書館的工作人員直接見面，而只通過網絡與圖書館聯系，圖書館專業人員通過電子郵件及電子咨詢臺與用戶聯系。圖書館的服務質量取決于軟件設計、圖書館專業人員對用戶回應的速度和質量、數字化信息的制作、網絡的傳播速度及人性化界面的設計等；用戶也可以直接通過電腦登錄至數字圖書館的主頁，隨意瀏覽、查詢、下載、打印有用的信息。

2.5數字圖書館擴大了讀者的范圍，普通圖書館因為讀者對象與地理位置的限制只能為少數人服務，數字圖書館則允許人們在任何地方、任何身份進入圖書館自由查詢。

3數字圖書館的特征：

3.1數字圖書館是一個分布式的圖書館群體。數字圖書館通過寬帶高速互連的計算機網絡，把大量分布在一個地域或一個國家的眾多圖書館或信息資源單位組成聯合體，把不同地理位置上及不同類型的信息按統一標準加以有效存儲、管理并通過易于使用的方式提供給讀者，超越空間和時間的約束，使讀者在任何時候、任何地方都可以在網上遠程跨庫獲取任何所需的信息資源，達到高度的資源共享。

3.2數字圖書館是面向對象的數字化多媒體信息庫。數字圖書館的存儲介質已不限于印刷體，它具有文本、聲、光、圖像、影視等多種媒體，其存儲的載體也相應的有光盤、錄音帶以及各種類型的數字化、電子化裝置，它通過多媒體、超文本、超媒體等技術，提供智能化的信息檢索手段，向讀者展示各種生動、具體、形象、逼真的信息。

3.3數字圖書館是與平臺無關的數字化資源集合。數字圖書館可實現異種數據庫之間、服務之間、工作站之間的可互操作性，并正在探索深層語義上的可互操作性。它采用一種聯合式或協調性軟件，從類型相似的數據對象和服務中，取得一致性和連貫性檢索內容。目前在網上查資料，需逐個站點地查詢，實現數字圖書館以后，讀者只要提供某個檢索點，計算機就會按統一的用戶界面提供所需的全部資料。

3.4數字圖書館具有強大的信息傳播與功能。數字圖書館的服務方式與傳統圖書館有著重大的差別，它變傳統圖書館的被動式服務為主動服務。它可以通過網絡隨時和傳播各種文獻資源的信息，對讀者進行“引導”或“導航”，向讀者提供多種語言兼容的多媒體遠程數字信息服務。

4。數字圖書館的基本模塊

數字圖書館是一個開放式的硬件和軟件的集成平臺，通過對技術和產品的集成，把大量的各種文獻載體數字化，將它們組織起來在網上服務。它由五大模塊組成：各種載體數字化，數據儲存和管理，組成有效的訪問和查詢，數字化資料的傳遞和接收，權限管理和版權保護。

4.1各種載體的數字化

將書刊、古籍、善本等各種文字、圖像（包括地圖），縮微制品包括縮微膠卷和縮微平片等，利用計算機和相關設備，將這些資料數字化。

關于錄音、錄像、電影膠卷、唱片等可采用各個公司提供的產品，將音頻、視頻信息資料數字化，各公司往往提供壓縮技術的先進工具來處理。

4.2數據的存儲和管理

數字圖書館大多數采用客戶機／服務器的模式。客戶、圖書館服務器和對象服務器構成信息傳遞的核心結構。圖書館服務器主要管理數據的目錄、索引和查詢，而對象服務器用于管理數字化的對象（即各種類型載體的原文獻），當對象數據直接到達客戶的時候，就實現了圖書館對象數據的傳送。它存儲和管理的數據量是巨大的。

4.3組織有效的訪問和查詢

文本類型的文件檢索，實現在網上的快速全文檢索軟件：如何為多媒體信息建立索引，讓用戶進行有效的查詢，也是當前研究的熱點之一。直接針對圖像建立索引，可以按照顏色，圖案來索引紡織品的圖案；用邊緣輪廓結合其它圖像處理技術索引人臉照片等；用同樣的方法，對數字化的視頻和音頻信息內容進行查找，這是訪問DL的關鍵技術。

4.4數字化資料的傳遞

綜合業務數字網（ISDN），目前已成為多媒體通訊的基本傳輸網絡。ISDN分為窄帶（N-IDFN）和寬帶（B-ISDN），前者美國、歐洲、日本已投入使用，它可以傳輸聲音等連續媒體和低質量的視頻信號。有線電視（CATV）廣播網絡，可以說是DL最有前途的傳輸環境。美國一些專家稱之為“信息高速公路的最后一公里”。我國只要對目前的有線電視網絡作適當改造，使其具有正反向傳輸功能之后，就可以用它實現高品質的計算機聯網、信息終端和交互式電視等功能，就可以作為DL的傳輸環境。

4.5權限管理和版權保護

數字圖書館的安全性顯得很重要，它要有一般計算機網絡系統的管理功能，要重視各種類型用戶的權限管理；更重要的是，必須用適當的技術確保版權人的資源不被濫用。

5數字圖書館建設應解決的問題

5.1關鍵技術問題

數字圖書館是采用現代高新技術所支持的系統工程，信息技術的集成在數字圖書館的建設中扮演了非常重要的角色。具體的來說，數字圖書館涉及數字化技術﹑超大規模數據庫技術﹑網絡技術﹑多媒體信息處理技術﹑數據庫與分析處理技術﹑信息抽取技術﹑基于內容的檢索技術﹑自然語言理解技術等等。我們必須針對數字圖書館的應用背景，綜合運用有關原理和方法，重點突破關鍵技術，才能為數字圖書館的建設提供堅實的技術保障。超級秘書網

5.2標準與法規的制定和實施

在進行數字圖書館研究和建設數字資源庫的過程中，應借鑒發達國家數字圖書館建設的經驗教訓，盡早制定統一的適合中國數字圖書館建設的資源描述﹑標識﹑查詢﹑交換和使用的標準規范及法規；盡量地使用國際標準，對那些不是按標準格式進行組織伯資源庫，也必須考慮數字項的充分描述，并要有靈活的接口，以保證日后對數據的轉換與銜接；同時在進行資源庫的加工過程中要考慮對版權問題和處理，以做到充分的尊重知識﹑尊重智慧。使我國數字圖書館在建設伊始，便遵循標準化﹑規范化﹑法制化管理的發展道路。

5.3各類數字化資源的開發與利用

數字圖書館建設必須以建立豐富的數字資源庫為基礎，否則要實現數字圖書館就是一句空話。各類型圖書館應針對本館實際情況，將本館館藏資源數據化，建立具有本館特色的數據資源庫。數字資源庫中包括中文數字資源群﹑引進國外的專題數據庫。通過相接的網絡系統實現大部分地區圖書館文獻資源的聯機采編和館際間互借。

5.4人才培養

數字圖書館的建設和發展離不高素質人才。數字圖書館工作要求管理人員具有較高學歷和專業素質，需要掌握多方面知識結構的人才，如計算機﹑網絡信息加工與管理﹑知識產權與保護﹑數字圖書館運營與管理等方面人才。圖書館只有培養出這樣的高素質的人才方能保證數字圖書館持續不斷地順利進行。

參考文獻：